Участие во множестве выставок и ярмарке современного искусства Art Russia Fair в Гостином дворе, организация собственных проектов и коллекционирование – это далеко не полный список всего, чем успевает заниматься Юлия Якубович. Мы поговорили с ней о том, как сделать искусство своей профессией, что такое стиль и как начать собирать собственную арт-коллекцию.
Как начинался ваш творческий путь? Всегда ли вы мечтали быть художником?
Я родилась в Иркутске, в местах, где природа и общение с ней имеют особую ценность. У меня была возможность часто бывать на озере Байкал, о красоте которого известно всему миру. Возможно, именно этот факт повлиял на то, что мне ближе «говорить» своим искусством именно о природе.
С детства я привыкла созерцать, наблюдать, анализировать, придумывать. Развитию воображения помогло обучение в школе искусств. Как такового желания стать художником не было – было чувство, что я уже им являюсь и что я пришла в этот мир, чтобы создавать.
«В любом случае искусство несёт позитивный заряд»
Что сподвигло вас заняться искусством профессионально?
Ничто не может сподвигнуть сменить статус «хобби» на статус «профессионал» лучше, чем успех и признание. Я долго занималась творчеством «для себя» и показывала работы только самым близким людям. Вышло так, что я познакомилась с автором одной из работ из моей коллекции, известным художником Сергеем Постниковым. Именно он, увидев мои картины, предложил выставить их на одном из своих проектов в ЦДХ (Центральный Дом Художника. – прим. автора). Так ко мне пришла уверенность и вкус к профессиональной работе.
Я начала с конкурсных программ Russian Art Week (Международная выставка-конкурс современного и современного искусства. – прим. автора), где каждый год становилась финалистом в той или иной номинации. Благодаря этому я вышла на более профессиональный уровень и стала членом ТСХР (Творческий союз художников России. – прим. автора).
Если сравнивать хобби и профессию, разница очевидна. Хобби может не приносить заработка и не обязывает автора участвовать в выставках – оно вообще ни к чему не обязывает, только лишь дарить удовольствие. Профессия – это совсем другая история. Профессионал своего дела обязан развиваться, становиться лучше, доказывать, что его деятельность достойна называться профессией, которая кормит человека и позволяет ему расти.
Что для вас искусство?
Если отвлечься от научной терминологии, слово «искусство» рождает ассоциации со словами «искушение», «искус». Я считаю, что цель настоящего искусства – именно искушать: искушать на созерцание, на стремление к прекрасному, на желание создавать и творить либо собирать, коллекционировать и сохранять предметы искусства. В любом случае искусство несёт позитивный заряд.
А как вы относитесь к работам-провокациям или к картинам, от которых становится не по себе – например, к творчеству Фрэнсиса Бэкона или к «Сатурну, пожирающему своего сына» Франсиско Гойи?
Искусство не призвано развлекать – это основной момент, который позволяет понять его суть. Искусство должно заставлять думать, а через мысль – и развивать, и открывать истину. По силе воздействия настоящее искусство можно сравнить с катарсисом, который ведёт к обновлению. При этом на полотне необязательно будет изображена буря: это может быть и тихий, светлый монотонный пейзаж Исаака Левитана, или цветовое сочетание Марка Ротко, которое может поставить тебя на колени, или нервные эротические линии рисунков Эгона Шиле, похожие на оголённые электрические провода, или цветопись Оскара Кокошки, в которой можно утонуть, или паутина штрихов Дмитрия Плавинского…
«Можно сравнить художественные приёмы и стили с почерком: мы все учились писать по одним прописям, между тем почерк у всех разный»
Большинство работ известных авторов разных периодов носили провокационный характер и не сразу получили признание. Но, если такие произведения вызывают определённые эмоции, это необязательно связано с желанием провокации. Скорее, автор почувствовал что-то более остро, чем другие, либо он высказал своей работой мысль, которая давно волнует общество, но по каким-то причинам не могла быть озвучена. Протест может быть вызван страхом, нежеланием видеть очевидное, менять ориентиры и выходить из зоны комфорта. Если работа вызвала резонанс, спровоцированный не очевидной пошлостью или отвращением, а смысловой нагрузкой, идеей, значит, она останется в веках.
В ваших работах встречаются разные техники исполнения и разные средства, но сохраняется общая стилистика. А как бы вы описали свой стиль, и как его можно развить?
Я очень ошибусь, если скажу, что стиль настоящего художника вырабатывается сознательно. Посмотрите, сколько в мире художников, и все они абсолютно разные. Стиль нельзя даже заимствовать в полной мере. Так, например, мы всегда можем отличить одного автора эпохи Возрождения от другого несмотря на их схожую манеру письма. Можно сравнить художественные приёмы и стили с почерком: мы все учились писать по одним прописям, между тем почерк у всех разный.
«Я считаю художников самыми счастливыми из людей, а если тебе удаётся показать свое творчество людям и его ценят, то это двойное счастье!»
Что касается моего стиля, он складывается из нескольких составляющих: моей индивидуальности, моего отношения к материалу, моего мировоззрения, моего чувства меры и вкуса, моего цветоощущения. Например, я очень люблю смешивать разные техники, экспериментировать с материалом, применяю даже огонь в работе. Как бы я ни старалась, не могу изменить себе – зачастую художник не отдаёт себе отчёта в том, что он создаёт и какую форму примет его работа в итоге. Мой стиль – это отражение меня.
С какими трудностями вы сталкиваетесь как художник?
Самая большая проблема – отсутствие вдохновения. Бывают периоды – а иногда они длятся месяцами – когда ты не можешь рисовать либо не хочешь продолжать серию начатых работ: нет настроения. Но вообще я считаю художников самыми счастливыми из людей, а если тебе удаётся показать свое творчество людям и его ценят, то это двойное счастье!
А в какие моменты к вам чаще приходит вдохновение — когда вы счастливы или, наоборот, грустны?
Как ни странно, вдохновение не зависит от качества эмоций. Оно может посетить в любой момент, даже когда ты находишься в нейтральном состоянии. Вдохновение похоже на толчок кого-то невидимого, как будто кто-то приказывает тебе встать и начать рисовать, где бы ты ни находился. Поэтому я всегда ношу с собой блокнот и карандаши.
«Мой стиль – это отражение меня»
Расскажите о вашем проекте «Тихий четверг с…». Какая идея стояла за ним?
Этот период – совершенно особенный в моей жизни. Я рисовала всегда, сколько себя помню, но не считала нужным превращать свою деятельность в профессию. Искусство всегда возбуждало во мне желание не только созерцать, но и коллекционировать. Сейчас в моей коллекции более 50 имён и более 200 произведений искусства. Для одного из своих любимых художников я сделала первую выставку. Она так понравилась моим друзьям и приглашённым гостям, что меня попросили продолжить. Так появилась серия проектов под названием «Тихий вечер с…» — камерные мероприятия, на которых можно пообщаться с автором, поделиться своим мнением, найти произведение, которое вызовет отклик в душе, и просто выпить чаю в приятной компании.
Какими вашими работами вы больше всего гордитесь?
Вы не ошиблись с понятием «гордость», ведь картины – это дети художников. Причём гордость возникает на этапе окончания работы, когда ты понимаешь, что тебе удалось выразить в материале то, что тебя «попросили сделать свыше». Соответственно, когда ты чувствуешь полноценность своей работы и в плане исполнения, и в плане смысловой значимости, это чувствуют и люди, которые созерцают её на выставке. Здесь нет фальши.
Я не могу перечислить все свои любимые работы, но большинство из них сейчас находится либо в коллекциях, либо в постоянной экспозиции какой-нибудь галереи. Например, сейчас две мои любимые работы экспонируются в галерее Литфонда, на заводе «Кристалл».
«Чтобы создать настроение, достаточно одного «лепестка на воде»»
В ваших работах много японских мотивов: кимоно, самураи. Почему именно Япония?
Этот вопрос созвучен вопросу о стиле. Даже будучи ребёнком, ученицей школы искусств, мне больше всего удавались копии японских гравюр. Мне нравится, как японцы чувствуют, нравится их чувство меры и уважение к материалу, нравится деликатность и внимание к деталям. Я считаю свои работы минималистичными, с акцентом на деталях, символах, мне близка идея простоты и изящества. По сути, чтобы создать настроение, достаточно одного «лепестка на воде».
Что вдохновило вас на создание серии работ «Мои иконы»?
Это одна из моих самых серьёзных и концептуальных серий. Мысль создать «свою» икону пришла ко мне вместе с чувством, что я перестала верить в ту религиозную атрибутику, которая нам навязывается.
Я много размышляла о вере как о философии, а не как о перечне строгих законов, и пришла к выводу, что каждый человек может создать сам свою икону. У каждого она и так есть в том или ином виде: это может быть подаренная бабушкой брошь, либо памятная фотография, либо предмет из путешествия. Человеку необходимо верить. Вера – тот стержень, на котором держится наше земное существование.
Картина «Два облака» – о чём она?
Она о зарождении новой жизни. Мне показалась интересной идея создания своеобразного мира, пусть небольшого, но вдали от суеты, проблем, катаклизмов, эпидемий и войн, где зарождается совершенно новая, но красивая жизнь. Этот мир я представила «между двух облаков».
Расскажите, как вы начали коллекционировать. Чем вы руководствуетесь, приобретая ту или иную картину для коллекции?
Моя коллекция началась с любви к искусству и желанию любоваться произведениями тогда, когда мне это нужно и удобно. Первыми приобретёнными работами стали произведения советских авторов, начиная с 1930-х и заканчивая 1990-ми годами. Мне импонировала особая атмосфера этих произведений, деликатная колористика и чистота сюжета.
Чуть позже я обратила внимание на современных авторов, но, чтобы не ошибиться, ориентировалась на вкус известных коллекционеров. Так у меня, по совету Пьера Броше, появилась работа Марины Фёдоровой.
В дальнейшем я решила полагаться уже на собственный вкус и значительно расширила свою коллекцию живописи, фотографии и скульптуры, сотрудничая с известными галереями современного искусства. Считаю, что работа должна прежде всего нравиться самому коллекционеру.
Недавно вы принимали участие в экологической выставке современного искусства «Земля. Что дальше?». Расскажите, что вас привлекло в этом проекте. Какое место в вашем творчестве занимает экология, политика?
На мой взгляд, любой аспект нашей жизнедеятельности тесно связан с политикой. Политика – это игра в карты на выгоду. Экология – это тоже часть политических интересов, потому что в тему экологии включено много видов деятельности, которые финансируются, лоббируются, которыми манипулируют – например, тема Партии зелёных и тому подобное. Может ли экология быть вне политики? Может. Только называться это будет по-другому, например – «сбор мусора жителями такого-то двора», и то, если это будет происходить по инициативе старшей по подъезду. Всё остальное – политика, увы.
Проект «Земля. Что дальше?» привлекателен своим форматом. Он предоставляет художникам свободу самовыражения на вполне конкретную тему. У меня есть серия работ, которую я продолжаю, – «Природные явления». В этой серии я раскрываю тему красоты и многозначности обычных на первый взгляд вещей: дождя, снега, рассвета, грозы. К этой серии относится и работа «Два облака», которая экспонировалась в Цейхгаузе. Работами этой серии я прошу зрителя, человека остановиться, увидеть красоту явлений, задуматься, зачем мы на этой планете находимся: разрушать или сохранять?
Как, на ваш взгляд, пандемия изменит арт-сферу в мире и в России?
Пандемия изменит не только арт-сферу, но жизнь на планете в целом. В какую сторону – предсказать сложно, но любые изменения в самом их начале носят для человека негативный характер, так как это выход из привычного русла, из зоны комфорта. В любом случае тема пандемии совершенно точно будет отражена в работах современных авторов, ведь художники не смогут остановиться и не создавать, что бы ни произошло.
«Картины – это дети художников. Причём гордость возникает на этапе окончания работы, когда ты понимаешь, что тебе удалось выразить в материале то, что тебя «попросили сделать свыше»»
Как вы относитесь к виртуальному искусству? Могут ли виртуальные музеи заменить галереи-офлайн?
В прошлом году я была на выставке в Saatchi Gallery в Лондоне, где весь зал был занят виртуальными работами: они проецировались на экранах, каждая была снабжена текстом. Это не очень интересная идея, так как сейчас каждый имеет возможность увидеть то или иное произведение на своём собственном экране и даже в ещё лучшем качестве. Нет необходимости идти для этого в галерею.
Гораздо интересней общаться с живым произведением, видеть мазки, материал, чувствовать присутствие мастера. Конечно, это не относится к инсталляциям, которые требуют экранного изображения. Думаю, что виртуальные музеи не заменят галереи-офлайн – не должны, по крайней мере. У нас ведь есть обязанность перед тем наследием, которым мы уже обладаем: мы не сможем загнать Леонардо Да Винчи, Франсиско Гойю и многих других авторов в рамки плоского и бездушного экрана, а их реальные произведения бросить гнить в хранилищах.
Что бы вы посоветовали начинающему художнику?
Начинающий художник, хочу посоветовать тебе жить максимально насыщенной жизнью, путешествовать, развиваться, искать новые формы выражения, быть открытым, позитивным к людям и окружающей среде, замечать и изображать то, что не видят другие!
