На фоне активного развития цифрового искусства и роста популярности живописи графика и фотография продолжают удерживать интерес благодаря своей доступности и лаконичности. Кто формирует спрос на эти медиа? Почему цены на эстампы и ограниченные тиражи фотографий редко превышают $1000? Как локальные ярмарки вроде «Контура» конкурируют с международными проектами, такими как Paris Photo? В нашей новой статье ведущие эксперты из сферы искусства объясняют, почему графика и фото долгое время считались второстепенными направлениями, но сегодня находят спрос у коллекционеров и инвесторов.
Майя Ковальски, сооснователь ярмарки «Контур» и «Контур. Фото», куратор ЦСИ «Терминал А»
Как ярмарка графики меняет восприятие этого медиа в России? Сравните с ситуацией 5–10 лет назад.
Откровенно говоря, я не считаю, что обладаю экспертным мнением рассуждать на эту тему. Могу сказать исключительно субъективную точку зрения, поэтому «слушаем и не осуждаем».
Графика воспринималась скорее как вспомогательное или второстепенное медиа — что-то, что стоит дешевле и занимает «второй план» по сравнению с живописью. Мы же стремимся показать, что графика — это не черновик, а самостоятельное, выразительное и глубоко интеллектуальное медиа, в котором возможны эксперименты, философские высказывания и тонкая визуальная работа.
И это, безусловно, влияет на общее изменение отношения к медиуму на российском арт-рынке.
Нижегородские художники на ярмарке — есть ли региональная специфика в темах или техниках?
Нижний Новгород — город с мощной визуальной традицией и одновременно высокой чувствительностью к социальному и культурному контексту. Местные художники, как правило, достаточно честны, прямы и точны в высказывании. В их графике часто присутствует бытовая наблюдательность, сатира, эмоциональная точность. Так что да, у Нижнего есть голос, и он звучит громко.
При этом важно подчеркнуть, что художники из Нижнего не находятся в «региональной» позиции — они равноправны с участниками из Москвы, Петербурга и других городов.
Какие барьеры мешают графике занять равное положение с живописью на арт-рынке?
Графика требует внимания, близкого взгляда, почти интимного контакта. Это делает ее менее «эффектной» в публичном пространстве, но, возможно, более глубокой в личной коллекции. Мы уже видим, как эти барьеры начинают рушиться — в том числе благодаря таким ярмаркам, как «Контур». Мы демонстрируем, что графика — это не «альтернатива», а полноценный выбор.
Анна Брынцалова, директор галереи Set Projects
Графика считается «доступным» сегментом арт-рынка. Как вы формируете цены на работы?
В первую очередь мы отталкиваемся от цены, которую устанавливает автор. Однако, если мне кажется, что она не соответствует рынку, я могу посоветовать откорректировать ее в ту или иную сторону. Есть несколько факторов на которые можно можно опираться при формировании цены: портфолио автора и его узнаваемость на рынке, спрос, а также некоторые характеристики самой работы — размер, техника, степень детализированности и количество затраченного на нее времени. Проработка детализированных рисунков с мелкой прорисовкой и множеством штрихов может занимать гораздо больше времени, чем создание живописной работы.
Есть ли разница в спросе между молодыми авторами и классиками?
Зависит от автора и ситуации на рынке. Кстати, на прошлом выпуске ярмарки «Контур» мы привезли графику молодых авторов и тиражные работы более известных мастеров — первые пользовались большей популярностью С точки зрения продаж.
Какие темы/стили в графике сейчас наиболее востребованы?
Сложно сказать, но на нашем стенде мы решили показать максимально разные техники и проявления графики: вы увидите и акварель, и линер, и масляную пастель, и даже шариковую ручку.
Есть ли специфика в упаковке, презентации или логистике графики?
Конечно! С точки зрения логистики можно сказать, что перевозить графику проще, чем живопись. Однако, с другой стороны, если что-то все-таки помялось или порвалось, незаметно отреставрировать это практически невозможно.
При транспортировке графики, оформленной в рамы, всегда существует риск разбивания стекла и повреждения самой работы осколками. Поэтому тщательная и продуманная упаковка крайне важна — пренебрегать ею не стоит.
Арина Левандовская, директор лаборатории и галереи экспериментального печатного искусства ПиранезиLAB
Как вы сочетаете коммерческую задачу с кураторским высказыванием?
Концептуальный фокус ПиранезиLAB сохраняется неизменным благодаря устойчивой траектории нашей практики — мы последовательно исследуем и представляем печатный медиум как полноценное и самостоятельное явление в современном искусстве. Коммерческая составляющая для нас не противопоставляется кураторскому высказыванию — напротив, именно продуманная художественная программа, включающая разнообразные техники и авторские подходы, формирует устойчивый интерес со стороны коллекционеров и институций. Каждый наш стенд — это не просто подбор работ, а выстроенное высказывание, раскрывающее новые грани взаимодействия художника с печатной формой.
В чем вы видите главный вызов для популяризации печатных техник в современном искусстве России?
Один из ключевых вызовов — это отсутствие устойчивой институциональной инфраструктуры, поддерживающей печатный медиум на постоянной основе. Мы сталкиваемся с недостаточной информированностью как со стороны зрителей, так и профессионального сообщества: печать часто воспринимается либо как техническое ремесло, либо как вспомогательный формат. Поэтому мы стремимся создавать пространство для диалога и образования — через выставки, публичные программы, экскурсии — чтобы показать потенциал печати как критически мыслящего художественного инструмента.
Как галерея преодолевает стереотип о «второстепенности» графики?
Планомерно и целенаправленно — как, например, это делает ярмарка графики «Контур», в которой мы участвуем. Однако для нас этот вопрос принципиально не стоит: мы изначально рассматриваем графику и печатные практики как равноправные и полноценные медиумы современного искусства. В своей работе мы подчеркиваем авторскую стратегию, сложность технического языка и возможность критического высказывания в рамках печатной формы.
Кто ваша аудитория? Замечаете ли интерес со стороны постоянных коллекционеров или институций?
Наша аудитория включает как опытных коллекционеров, которые на протяжении нескольких лет следят за деятельностью лаборатории и отдельных художников, так и новых зрителей, только открывающих для себя потенциал печатного медиума. Мы особенно ценим диалог с публикой — интерес к техникам, вовлеченность в обсуждение художественных стратегий, готовность задавать вопросы на публичных мероприятиях и экскурсиях в лаборатории. Параллельно мы активно работаем с институциями: сотрудничаем с МАММ, ЦСИ AZ/ART и другими площадками, где представляем печатные практики в широком контексте современного искусства. Поддержка институционального интереса для нас — важный показатель устойчивости и востребованности направления.
Николай Дмитриев, основатель PENNLAB Gallery
Как фотохудожникам найти баланс между авторским стилем и запросами рынка?
В основе настоящего искусства всегда лежит независимый, искренний авторский голос. Когда художник сохраняет верность своему видению, его работы обретают уникальность и актуальность — качества, которые в конечном итоге и ценятся на рынке искусства.
Попытки угадать вкусы публики часто приводят к парадоксальному результату: вместо востребованности автор получает размытую идентичность и работы, лишенные внутренней энергии. Они становятся «одними из многих», теряя то, что делает их особенными — индивидуальный почерк и авторский взгляд.
Однако важно понимать, что противопоставление «искусство vs рынок» не всегда продуктивно. История знает множество примеров, когда художники создавали значимые произведения, работая в рамках коммерческих проектов. Ключевым фактором здесь становится не отрицание рынка как такового, а способность сохранять целостность своего художественного языка вне зависимости от контекста.
Художнику стоит рассматривать рынок не как противника авторского высказывания, а как еще одну среду для диалога со зрителем. При этом главное — помнить, что долгосрочный успех, как правило, приходит к тем, кто не боится рисковать и предлагает нечто новое, а не следует за уже признанными трендами.
В конечном счете, подлинное искусство всегда находится на шаг впереди рынка, предлагая то, о чем аудитория еще не знает. И в этом смысле художник не должен искать баланс — он должен его создавать, формируя новые эстетические координаты для зрителей и коллекционеров.
Какие темы в фотографии сейчас наиболее близки коллекционерам?
Коллекционирование фотографии в контексте современного искусства тесно связано с настроениями общества и культурными тенденциями. Интересы коллекционеров постоянно эволюционируют в зависимости от времени и контекста. Выбор произведений для коллекций редко бывает случайным — это обычно результат резонанса между внутренним миром покупателя и визуальным высказыванием художника. Общественные процессы, глобальные вызовы и социальные изменения неизбежно отражаются в предпочтениях коллекционеров, которые ищут работы, созвучные их собственному восприятию современности.
Рынок фотографии, как и все современное искусство, подвержен модным течениям. Актуальность направлений может быстро меняться, однако по-настоящему значимые работы сохраняют ценность вне зависимости от конъюнктуры.
Примечательно, что значительная часть покупателей приобретает фотографии не только как инвестицию или объект коллекционирования, но и для оформления своих жилых и рабочих пространств. Фотография становится элементом повседневной среды, частью личного ландшафта. При таком подходе выбор определяется не только содержанием, но и эстетическим соответствием интерьеру, способностью работы создавать определенную атмосферу. Важно предлагать произведения, которые вызывают размышления и эмоциональный отклик, становясь частью личной истории и мировосприятия коллекционера.
Какие тренды повлияют на фотоискусство в ближайшие пять лет?
Этот вопрос затрагивает не только технологические инновации, но и глубокий анализ самой природы фотографии как медиума. Искусственный интеллект стремительно трансформирует фотографический язык, открывая новые горизонты для творчества и переосмысления традиционных подходов.
Фотография прошла двухвековой путь технологического прогресса, полностью задокументировав собственное развитие. Ее автоматичность, документальность, способность фиксировать время и сохранять память, а также серийность в отображении реальности сделали ее уникальным инструментом для исследования. Сегодня к этим свойствам добавляется новый вызов — интеграция «чистой» фотографии с изображениями, созданными или обработанными нейросетями. Этот синтез порождает «промтографию» — искусство, где текстовые описания, или промты, становятся основой для генерации визуальных образов, выходящих за рамки классической «светописи».
В ближайшие пять лет нейросети станут более управляемыми, позволяя художникам создавать уникальные работы, невозможные в традиционных техниках, — например, изображения с обратной перспективой или сложные визуальные концепции, отражающие личные авторские задачи. Пока работа с нейросетями напоминает современные эксперименты с пленочной фотографией, где молодые авторы ценят непредсказуемость и случайные эффекты, но уже скоро технологии будут полностью подчинены замыслу художника. Это откроет новые пути для исследования языка фотографии, где соединение технологии и художественного образа создает комплексные произведения искусства.
Примером такого подхода служат современные проекты, подобные «Кунштюку» Оли Пеговой, где цифровая обработка стирает границы между реальностью и воображением. Однако ценность фотоискусства в будущем будет определяться не только технологическими возможностями, но и индивидуальной практикой художников. Каждый авторский взгляд на развитие фотографии — будь то использование классических процессов, цифровых инструментов или нейросетей — вносит уникальный вклад в переосмысление медиума. Главное остается неизменным: в основе любого аутентичного произведения лежит замысел художника, его идея и способность выразить ее через выбранный язык — традиционный или новаторский.
Артем Евушкин, коллекционер
Почему вы собираете графику?
Не могу сказать что у меня есть фокус на графике, хоть ее и много. Я собираю и графику, и живопись, и керамику. Недавно купил первую фотографию. Главное — сам художник и его идеи, а в какой форме он их преподносит — уже не так важно.
У графики много плюсов: она дешевле живописных работ, ее удобнее хранить и перевозить (особенно если покупаешь в подарок). Еще я заметил, что графика чаще всего гораздо компактнее живописи по размеру: ее можно взять в руки, покрутить-повертеть, поизучать практически вплотную. Дистанция между тобой и работой минимальная — в этом что-то есть. С холстами так получается далеко не всегда.
Как вы оцениваете потенциал автора? Ориентируетесь на галерейную репутацию, музейные показы или личное восприятие?
Наверное, ориентируюсь на галерейную репутацию, музейные показы и личное восприятие, но стараюсь не делать поспешных выводов. Интересно наблюдать, что происходит с художником через год, два, три. Потенциал есть у многих, но то, как им распоряжаются, показывает время.
Какой совет дали бы новичку, который хочет начать коллекционировать графику?
Сходите на ярмарку и купите что-нибудь! Знакомьтесь с галеристами и художниками, прислушивайтесь к себе, ищите близких вам по духу и мышлению людей, покупайте у них работы, становитесь частью арт-комьюнити.
Надя Шереметова, директор ФотоДепартамента
Какие форматы продаж современной фотографии эффективнее: ограниченные тиражи или коллаборации с дизайнерами?
Для презентации в галерее FotoDepartament.Gallery и для продажи мы выбираем только многослойные проекты, все составляющие которых — от выбранного фокуса внимания на вопросах современного мира, способов их репрезентации и точности конструирования фотографии до самих изображений, которые должны выстраивать отношения с реальностью, отсылать к ней и вовлекать нужные контексты, — работают на единый замысел. Важно также, каким образом выполнена печать или оформлена объектность фотографии: эти элементы закрепляют смысловые связи.
Поэтому зритель или коллекционер (а мы называем коллекционерами всех, кто хотя бы раз приобрел фотографию наших авторов, потому что знаем, что вернутся снова) определяет свой выбор, ориентируясь не только на критерий «нравится / не нравится», но и реагируя на более глубокие смысловые слои отношений между изображением и изображаемым. С одной стороны, мы делим все представленные фотографии на две категории: авторские отпечатки — с ограниченным тиражом, более высокой стоимостью, сложным и объектным воплощением — и тиражные отпечатки (limited edition prints). Последние — это отобранные куратором из архива автора изображения, выпускаемые ограниченным тиражом в 50 экземпляров, которые печатаются на одном типе бумаги и в нескольких стандартизированных размерах.
С другой стороны, это деление никак не умаляет концептуальные основы работ авторов, чьи фотографии входят в тиражную коллекцию, а также их значимость и актуальность для своего времени. Тиражирование лишь делает вход в покупку более доступным для молодых коллекционеров, они впервые примеряют бюджет на покупку искусства — и мы даем возможность приобрести значимые работы в высоком качестве, с полным провенансом: печатью галереи, выпускающей тираж, указанием номера отпечатка, имени автора и названия работы. И да, этот демократизирующий механизм покупки фотографий действительно работает: тиражные работы приобретают у нас в шоуруме прямо со стен как покупатели, уже знакомые с авторами по книгам, выставкам или соцсетям, так и люди, которые впервые зашли в ФотоДепартамент и откликнулись на сами изображения.
Эффективнее для продаж не просто добавлять разные стратегии — сотрудничество с дизайнерами для формирования интерьеров или съемок, передавать работы на примерку, делать поп-ап выставки и прочее. Продажи нарастают сами, если ты как куратор и галерея правильно выбираешь сильных авторов, резонанса с работами которых в зрителях и коллекционерах, а значит просто в современниках, просто не удастся избежать.
Как онлайн-платформы повлияли на интерес к фотографии?
Свою работу как FotoDepartament.Gallery мы, с одной стороны, выстраиваем полностью в digital-формате, потому что у нас нет постоянного выставочного пространства и режима показа авторов, проектов и практик вокруг фотографии. Но с другой стороны, авторские и тиражные фотографии можно увидеть вживую — буквально почувствовать разницу, ощутить воздействие размера, материала, формата и объектности изображения — в шоуруме принтов в ФотоДепартаменте в Петербурге. Кроме того, мы снова начали проводить выставки: в 2024 году состоялись три персональные выставки художников галереи. Работы Виталия Северова были представлены совместно с галереей PENNLAB на их площадке в Москве, digital-сцены Ирины Задорожной показывали на большом экране в Екатерининском собрании, а экспозиция Ирины Иванниковой проходила в пространстве «Павильон» на острове Новая Голландия.
В то же время весь каталог работ полностью представлен на нескольких наших сайтах — это наш онлайн-магазин, сайт галереи и на маркетплейсе искусства Bizar.art. Маркетплейс, конечно, расширил нашу аудиторию и дал фотографии в целом дополнительную видимость. Общий каталог фотографических работ от разных галерей, и напрямую от авторов, дает контекст представлений о том, с чем работает фотография в России сегодня, что заявляют авторы, какие послания несут, какие интенции заложены в работы, и это дает расширенное представление о фотографии коллекционерам, но в них же можно легче запутаться. Единая подача в каталоге усредняет как контекстуальную, масштабную (от осмысления до размеров) фотографию концептуально мыслящих авторов, так и файн-арт, то есть попытки продавать изобразительные приёмы, эффекты ради эффектов или просто идиллические пейзажи, ведущие лишь к созерцанию. Зритель получает доступ к разнообразию авторов, их концепций и, что немаловажно, к разным ценовым категориям. Он может потратить время, чтобы сориентироваться, сравнить предложения из каталогов многих институций и площадок, выбрать и купить работу онлайн, воспользовавшись удобным сервисом доставки, примерки и оплаты — онлайн или на месте. Поэтому платформы важны, но и приходить в галереи и следить за сильными авторами, помогая им покупкой их работ — важно.
Александра Рябова, журналист, автор ART FLASH
Чем российский рынок графики и фото отличается от европейского (например, Paris Photo)?
Европейский рынок работает как отлаженный механизм, где ценность графики давно легитимирована, а цены отражают ее место в современном арт-мире. Российский рынок графики и фотографии сейчас активно развивается и имеет большой потенциал. У нас нет аналогов проектов, похожих по масштабу на Paris Photo и другие европейские выставки, фокусирующиеся исключительно на графике и фотографии. Рынок менее системен, чем европейский, но именно это позволяет ему быстро адаптироваться, привлекать новых игроков и формировать собственные тренды.
Уже сейчас «Контур» в Нижнем Новгороде на три дня становится центром притяжения активных игроков арт-рынка из Москвы и Санкт-Петербурга: приезжают галеристы, коллекционеры и журналисты, формируются новые способы оценки и более четкое определение цен на графику и фотографию.
Какие глобальные тренды повлияют на графику и фото в ближайшее время?
Думаю, графика и фотография станут еще более междисциплинарными. Как в XIX веке, когда открытия Мишеля Шевреля в теории цвета изменили живопись, сегодня нейросети, AR и VR открывают новые горизонты. Главным вызовом будет сохранить баланс между технологиями и человеческим трудом.
Если говорить об общих трендах, то точно будет развиваться работа с ИИ — от генеративной графики до ретуши фото, а AR/VR превратят изображения в иммерсивные миры. Скорее всего, актуальность экологической повестки сместит фокус на биоразлагаемые материалы и цифровые тиражи, а влияние науки продолжит развиваться в digital-art и bio-art, добавляя работам многоуровневость. Рост цифровизации также спровоцирует возвращение к ручной печати и графическим техникам.
