В преддверии одного из самых загадочных праздников в году рассказываем вам о 5 самых «ужасающих» произведениях искусства.
Halloween is almost here! Если вас не удивить жуткими костюмами, пугающими легендами и ирландскими мифами о Джеке О’Лантерне, чью оранжевую голову можно увидеть чуть ли не в каждой витрине в это время, если осенний тыквенный латте кажется слишком приторным, а на ужастиках вроде относительно недавно вышедшей «Охоты» вас клонит в сон, предлагаем обратить внимание на нашу подборку самых «страшных» мировых шедевров в истории искусства.
От Фюсли до Уорхола: эта коллекция произведений искусства с символическими черепами, похотливыми инкубами и одним знаменитым, но таким загадочным криком, уж точно не оставит равнодушным даже самого безразличного к этому празднику человека, ведь в каждом произведении заложен свой смысл и своя пугающая тайна.
Отнюдь не сладкие сны
Иоганн Генрих Фюсли «Ночной кошмар», 1781
«Ночной кошмар» – одна из величайших готических картин ужасов в истории, написанная швейцарско-английским художником Генрихом Фюсли. Работа 1781 года стала одним из первых произведений, изображающих идею, а не событие, историю или человека. Cцена была полностью выдумана художником, что было редким явлением в то время. Истинное значение написанного до сих пор остается загадкой, поскольку художник никогда не давал комментариев или объяснений своей работе.
Бытует мнение, что Фюсли был вдохновлен древними германскими легендами о демонах, которые вселялись в людей, когда они спали. Согласно историям, мужчин, которые спали в одиночестве, посещали призраки лошадей, в то время как одинокие женщины были одержимы демонами или дьяволом. Фюсли включил обе эти пугающие фигуры в композицию и воплотил на картине визуальное представление живого кошмара.
Однако, некоторые историки искусства считают, что «Ночной кошмар» иллюстрирует не что иное, как безответные чувства художника к женщине по имени Анна Ландольт, которую он встретил во время путешествия по Европе. Воспылав чувствами, молодой художник так и не смог добиться расположения девушки. В этой интерпретации спящая женщина – Анна. Сам художник, не смирившись с безответной любовью, предстает в облике инкуба – демонического духа, жаждущего соблазнить свою обездвиженную и невинно-спящую или же находящуюся в глубоком обмороке жертву. В подтверждение этой теории приводится незаконченный портрет девушки, предположительно, той самой Анны Ландольт, который находится на обратной стороне холста.
На что способен человек
Франциско Гойя «Сатурн, пожирающий своего сына» 1819-1823
Между 1819 и 1823 годами испанский художник Франсиско Гойя создал свои «чёрные картины» – серию из 14 особенно запоминающихся произведений. Наиболее известной из них стала работа, на которой отец в прямом смысле пожирает своего ребенка.
Согласно римской мифологии, Сатурн – Кронос в греческом фольклоре – был предводителем титанов. Он сверг своего отца, Келуса, в попытке стать правителем вселенной. Опасаясь, что его собственное потомство сделает то же самое, он убивал и съедал каждого ребенка вскоре после рождения.
Франциско Гойя прожил довольно долгую жизнь (82 года), полную потрясений, которые во многом повлияли на его творчество. Он пережил становление испанского государства и засвидетельствовал, как в дальнейшем испанская монархия самолично разрушила страну. Изображение Сатурна в каком-то смысле стало аллегорией идей, о которых Гойя думал в тот момент: о власти и о том, как власть обращается со своими собственными детьми – своими подопечными, чтобы остаться у этой самой власти.
Несмотря на всю жестокость произведения, сложно найти более мощный способ для представления циклической природы времени и представления о том, каково это – отвернуться от своих собственных детей. С одной стороны, выпученные глаза Сатурна, его отточенные жесты будто кричат о том, как важна ему его сила, о том, что он не собирается её терять. Но, с другой стороны, в его глазах можно уловить некое отчаяние; он будто осознает весь ужас происходящего, но, к сожалению, не видит для себя другого пути.
Интересно, что почти всё полотно занимает громоздкое тело Сатурна, оно кажется абсолютно непропорциональным. Более того, создается впечатление, что оно похоже на разделанное мясо. Особенно безумно это выглядит, поскольку герой поедает своего собственного сына. Вполне возможно, что эта аллегория – отражение того мира, который видел Гойя, его понимание человечества и того, на что оно способно.
Услышать крик природы
Эдвард Мунк «Крик», 1893
Художник-экспрессионист Эдвард Мунк известен своими мрачными, отчасти довольно депрессивными и загадочными картинами и гравюрами. С 1893 по 1910 год он создал свой самый известный шедевр «Крик» в виде серии из 4 работ. Каждое произведение объединяет таинственная кричащая в отчаянии фигура.
Некоторые считают «Крик» плодом маниакально-депрессивного психоза, от которого страдал художник, другие полагают, что сцена была вдохновлена одним особенно пугающим природным явлением, которое художник описал в дневнике.
«Однажды вечером я шел по тропинке, город был с одной стороны, а фьорд внизу. Я чувствовал себя усталым и больным. Я остановился и посмотрел на фьорд – узкий, извилистый и глубоко врезающийся в сушу морской залив со скалистыми берегами – солнце садилось, и облака становились кроваво-красными. Я почувствовал крик, пронесшийся сквозь природу; мне показалось, что я услышал этот крик. Я нарисовал эту картину, нарисовал облака как настоящую кровь. Цвета пронзительно кричали. Это и стало Криком», – писал Мунк.
Было ли это всего лишь фантазией, или это действительно был знак? Все что мы знаем точно – слова, оставленные на кроваво-красных облаках: «This is perhaps written by a madman» (рус. «Не исключено, что это написано сумасшедшим»).
Все мы родом из детства!
Фрида Кало «Девушка в посмертной маске (Она играет одна)» 1938
Мексиканская художница Фрида Кало известна своей коллекцией из 55 автопортретов. В то время как её самые известные работы изображают художницу взрослой, в произведении «Девушка в посмертной маске (Она играет одна)» художница впервые предстает в образе ребенка.
На этом своеобразном произведении изображена молодая девушка: в руке она держит жёлтый цветок, а на лице у нее маска в виде черепа. Главные атрибуты ежегодного мексиканского праздника –«День мёртвых» и главная цель которого – отпраздновать смерть, а не оплакивать ее.
Маска на земле – это морда тигра, которая похожа на ту, что была у Фриды в её доме. Возможно, морда тигра, отброшенная на землю, является аллегорией к непростой жизни Кало, её непрекращающейся борьбе, которую, по-видимому, она решает прекратить, и в безысходности меняет маску.
«Девушка в посмертной маске (Она играет одна)» была написана в 1938 году – за год до ее драматического развода с коллегой-художником Диего Риверой. Как и многие работы, созданные в это время, произведение было вдохновлено чувством одиночества Кало. Художница часто чувствовала себя очень печальной из-за проблем со здоровьем, а также из-за бурного брака, который причинял не меньше эмоциональных страданий. Отбросив маску сильного и воинственного животного, она решила искать спасение в одиночестве и изоляции от внешнего мира.
«Я рисую автопортреты, потому что я так часто бываю одна, потому что я человек, которого я знаю лучше всего», – говорила знаменитая художница.
Изоляция маленькой девочки на картине ощущается через задний план и широкое открытое пространство. Пейзаж наводит на мысль об уединении своими просторами и таким задумчивым, облачным, беззаботным и бескрайним небом, в котором так и хочется раствориться.
Вопрос жизни и смерти
Энди Уорхол «Оранжевая катастрофа #5»,1963
Одной из двух тематических групп, на которых сосредотачивался Уорхол, была серия «смерть и катастрофы». Она охватывала жестокие образы, выбранные им лично из ежедневных новостей о насильственной смерти – самоубийствах, автомобильных авариях, убийствах, казнях и других видов жестокого насилия. Сам Уорхол признается, что данная серия была намного ближе его сердцу нежели не менее популярная серия «знаменитости», куда входили такие работы как Мерлин, Элвис, Лиз Тэйлор и Джеки Кеннеди. Демонстрируя все, от разрушительных автомобильных аварий до ядовитых банок с тунцом и большого электрического стула, эта коллекция работ говорит о болезненном интересе Уорхола к текущим и отчасти нередко ужасающим социальным явлениям и снижении людской чувствительности к ним.
Работа 1963 года была вдохновлена фотографией для прессы из тюрьмы, где были казнены Джулиус и Этель Розенберг – единственные гражданские лица, казнённые в США за обвинение в шпионаже в пользу Советского Союза в период Холодной войны. «Оранжевая катастрофа № 5» – одна из тех картин, которая была выполнена с последовательным применением изображений, вращающихся вокруг темы смерти.
«Когда вы видите ужасающую вас картину снова и снова, на самом деле это не имеет никакого эффекта», – комментирует Уорхол.
Произведение художника говорит о постоянном повторении трагедии в СМИ и, возможно, становится попыткой изгнать этот образ смерти через повторение. Однако, пафос пустого стула, ожидающего своей следующей жертвы, в какой-то степени противоречит мнению художника об отсутствии того самого эффекта. Резкий оранжевый цвет только подчеркивает ужас изолированного места в комнате с табличкой, где лишают жизни, а оглушающая тишина действует как удушающий эффект.
